Table des matières:
Conseils pour rédiger un scénario.
Trent Erwin via Unsplash
1. Formater correctement
C'est la première chose que les débutants ont tendance à se tromper. Les scénarios ont des critères de formatage très spécifiques, il est donc important de bien faire les choses. Il y a beaucoup de choses à savoir, mais voici les bases.
Tous les scénarios doivent être écrits en police Courier 12 points. La raison en est qu'une page de Courier 12 points sort à peu près à une minute à l'écran. En utilisant cette règle empirique, vous pouvez déterminer la durée du film que vous écrivez. Par exemple, un script de 60 pages se traduira à peu près par 60 minutes de film.
Chaque nouvelle scène nécessite un titre de scène, qui est exprimé comme tel. Le premier est une abréviation indiquant si la scène est à l'intérieur ou à l'extérieur (INT. Ou EXT.). Ceci est immédiatement suivi de l'emplacement de la scène (INT. FLOYD'S HOUSE), suivi d'un tiret, puis de l'heure du jour. (INT. MAISON DE FLOYD - JOUR).
Les mots qui ne sont pas des dialogues sont appelés lignes d'action. Les lignes d'action doivent toujours représenter quelque chose qui est visible à la caméra. En d'autres termes, vous ne voudriez pas inclure les pensées intérieures d'un personnage dans les lignes d'action, car elles ne seront jamais vues à l'écran.
Enregistrez plutôt ces lignes pour une action visible et dirigée. Ils peuvent être utilisés pour décrire un lieu, une description visuelle de ce qu'un personnage fait ou ressent, tout ce qui sera vu.
Pour le dialogue parlé, le personnage qui parle doit être écrit en majuscules. Le dialogue qui est prononcé doit être centré sous le nom du personnage. Par exemple:
Les attitudes spécifiques ou la direction verbale destinées aux personnages sont représentées sous forme de parenthèses sous le nom du personnage, mais pas directement centrées en dessous. Par exemple:
La première fois qu'un caractère apparaît dans le script, il doit être écrit en majuscules. (Le groupe a été soudainement rejoint par TED, qui a émergé de la pièce voisine). Chaque fois qu'un son audible se produit dans une scène, il doit également être écrit en majuscules. (Le téléphone RANG trois fois).
Si un personnage parle et que le dialogue est interrompu par des lignes d'action, vous écrivez SUITE entre parenthèses à côté de son nom avant qu'il ne reprenne la parole. Ceci est fait pour montrer que le caractère ne fait pas de pause et que les lignes sont prononcées en continu.
2. Montrez, ne dites pas
Le film est un support visuel, donc le scénario doit refléter cela. Cela diffère du roman et de la nouvelle en ce que les choses intangibles ne peuvent pas être montrées, comme les pensées et les sentiments intérieurs. Ces choses doivent plutôt être exprimées visuellement.
Les auteurs de romans qui tentent leur premier scénario ont tendance à surutiliser l'exposition, qui nous donne directement des informations, des sentiments intérieurs ou des points clés de l'intrigue. Par exemple, de nombreuses histoires de science-fiction contiennent souvent de nombreuses expositions. Ils font cela parce qu'ils impliquent souvent des mondes élaborés et étrangers qui nécessitent beaucoup de configuration avant que le récit puisse avoir lieu.
Cependant, il existe des moyens d'éviter l'exposition. Pour le scénario, concentrez-vous sur l'écriture visuelle. Disons que vous avez un personnage qui a faim. Comment feriez-vous pour montrer cela? Auriez-vous une ligne de dialogue où il déclare simplement: «J'ai faim»?
Eh bien, cela ferait passer le message, mais c'est révélateur, pas visible. Au lieu de cela, que diriez-vous d'écrire un grondement audible provenant de son estomac? Ensuite, vous pourriez écrire sur son eau à la bouche pendant qu'il regarde un fast-food à la télévision.
La même information est communiquée, mais cela a été fait visuellement. C'est le langage du cinéma. Pour chaque scène, n'oubliez pas de vous demander: "Comment puis-je communiquer visuellement cela sans le dire?" Si cette réflexion est appliquée à chaque scène, il devient plus facile de trouver des moyens de visualiser au lieu de dire carrément au public ce qu'il doit savoir.
3. Divisez l'action
Comme indiqué précédemment, les lignes d'action sont censées représenter des actions ou des lieux que nous voyons physiquement. En tant que telles, ces lignes peuvent prendre un peu d'espace si ce qui est décrit est élaboré. Cela peut devenir fastidieux pour le lecteur.
Au lieu d'écrire de longs paragraphes de lignes d'action, ne vous en tenez pas à plus de trois phrases à la fois. L'espacement des lignes d'action facilite non seulement leur lecture, mais donne au lecteur une bonne idée du rythme des actions qui se déroulent.
Par exemple, disons qu'il y a une scène dans laquelle un héros poursuit un méchant. Ils se poursuivent dans une ruelle d'une grande ville. Au bout de l'allée, deux hommes élèvent un piano à un étage supérieur. Lorsque notre héros atteint le bout de l'allée, il est arrêté par le piano qui tombe devant lui, permettant au méchant de s'échapper. Un bon moyen de capturer cela dans des lignes d'action serait comme tel:
Chaque action spécifique a son propre paragraphe de deux ou trois phrases. Cela donne à la scène des rythmes, qui sont des moments clés où les choses changent. Par exemple, l'ambiance de la scène change lorsque nous voyons les hommes hisser le piano, elle obtient donc son propre paragraphe. Cela nous amène à nous poser la question: "Pourquoi voyons-nous cela maintenant?"
S'il était regroupé dans un seul paragraphe, il serait plus difficile d'identifier la progression naturelle de la scène. Toutes les actions se dérouleraient ensemble, et ce serait plus difficile à lire. N'oubliez pas de toujours transmettre votre action sous forme de rythmes brefs et appropriés.
© 2019 Matthew Scherer